Il ciclo di Lepanto di Cy Twombly esposto al Museum Brandhorst è uno studio monumentale su vita, storia e luce. I dipinti sono appesi in una stanza, le cui condizioni di illuminazione sono state progettate proprio per questo ciclo.
Uno dei più grandi scontri dei primi tempi moderni riceve oggi la luce che merita e forse anche una luce simile a quella in cui è avvenuto. Il 7 ottobre 1571, 211 galee della Lega Santa formata da Venezia, Spagna e truppe papali si scontrarono nel Golfo greco di Patrasso con 260 navi da guerra dell'Impero Ottomano. La battaglia fu vinta dalle truppe cristiane. Strategicamente, il successo fu di scarsa importanza: il dominio dell'Impero Ottomano nel Mediterraneo orientale non ne fu influenzato. Per l'Occidente, tuttavia, la vittoria ebbe una grande importanza simbolica. A Venezia fu proclamato un giorno di festa; il poeta Cervantes, che prese parte alla battaglia come soldato, elaborò gli eventi nel suo Don Chisciotte, ma soprattutto la battaglia navale fu un motivo importante per i pittori del Rinascimento. Il quadro più famoso fu dipinto da Paolo Veronese nel 1572: la Vergine Maria e diversi santi vegliano sul tumulto oscuro delle navi incuneate.
Dopo la pubblicazione del ciclo a Venezia, l'intero mondo dell'arte cercò di accaparrarsi i dipinti di Twombly, che all'epoca, dieci anni prima della sua morte, era all'apice del suo successo.
400 anni dopo, un artista affronta nuovamente questo argomento. L'americano Cy Twombly, uno dei più grandi pittori del 20° secolo, erede e conquistatore dell'espressionismo astratto, dipinse un ciclo pittorico monumentale in dodici dipinti per la Biennale di Venezia del 2001 che si trovano oggi al Museum Brandhorst (museo) di Monaco: "Lepanto". Il ciclo è qualcosa di simile al lascito dell'artista morto nel 2011, in cui si condensano tutti i problemi importanti per Twombly: mitologia, Mediterraneo, cielo, colore e soprattutto: la luce.
In effetti, è giusto che anche la luce svolga un ruolo molto speciale nella sala del Museum Brandhorst in cui i dodici dipinti di tre metri per quattro vengono mostrate fianco a fianco. Non è un caso che i dipinti siano appesi proprio qui: dopo la pubblicazione del ciclo a Venezia, l'intero mondo dell'arte cercò di accaparrarsi i dipinti di Twombly, che all'epoca, dieci anni prima della sua morte, era all'apice del suo successo. Alla fine Udo Brandhorst vinse l'offerta: per decenni era stato amico intimo di Twombly e uno dei suoi più fedeli collezionisti.
Un fattore decisivo nell'assegnazione è stato che il ciclo doveva essere appeso in una sala appositamente progettata per esso al piano superiore del Museum Brandhorst. È come per il gioiello della corona che si trova nell'edificio progettato dallo studio di architettura Hutton Sauerbruch. Ha una forma base ottagonale, in cui i dipinti sono appesi realizzando un arco piatto di fronte allo spettatore. La dimensione della sala è impressionante. ll soffitto gioca un ruolo speciale. È fatto di vetro smerigliato, con dietro delle lamelle che possono aprirsi e chiudersi a seconda dei raggi solari.
"L'idea era", afferma Achim Hochdörfer, direttore del museo, "che la stanza fosse illuminata dalla luce del giorno e che la luce artificiale potesse essere accesa se necessario." Se il sole splende troppo forte, le lamelle si chiudono. "Ma ci siamo subito resi conto che l'idea era migliore dell'implementazione", afferma Hochdörfer "Bastava una nuvola che copriva il sole, e le lamelle si muovevano e si sentiva sempre il ronzio dei motori." Quindi si decise che le lamelle sarebbero state adattate alle condizioni di illuminazione solo un paio di volte al giorno. E come spesso è: la soluzione di emergenza si è rivelata un colpo di fortuna. In questo modo, il ciclo di Lepanto può essere ammirato cambiando le condizioni di illuminazione e nulla si adatta meglio al carattere monumentale di quest'opera.
“A volte i visitatori siedono sulle panchine per ore. Sembra quasi che stiano meditando.”
L'intero lavoro di Twombly non è né semplice né facilmente accessibile. I dipinti spesso di grande formato appaiono spesso incompiuti, abbozzati, quasi in modo irritante. Le linee curve attraversano la superficie del dipinto, singole parole buttate lì e frammenti di frasi sono riconoscibili a fatica. Il ciclo di Lepanto è altro. Travolge il visitatore con i suoi colori e la sua impetuosità. La battaglia navale di Lepanto, sorprendente per una battaglia storica, può essere ricostruita esattamente. Centinaia di navi partirono la mattina presto. Il tempo era buono e anche la visibilità.
Il primo dipinto del ciclo è tutto in un blu tenue. Una splendida mattina sul mare con il sole che stava sorgendo. Si possono vedere singole strutture simili a navi, non ancora in formazione. Twombly non raffigura, cita il mondo degli oggetti. Le "navi" sembrano dipinte da bambini, forme semplici, a volte uno scafo sembra essere visto dall'alto, a volte di lato. Il dramma aumenta da un dipinto all'altro. Si aggiungono elementi colorati.
È noto che le bandiere colorate hanno avuto un ruolo cruciale nelle battaglie dell'epoca: la battaglia terminava quando veniva conquistato lo stendardo nemico. Il colore acrilico scorre su teli spessi e irrigiditi fino a solidificarsi in perle di plastica. È facile vedere la mischia sotto la spietata durezza del sole mediterraneo. Sempre più sfumature di rosso si mescolano nel disordine colorato. Il mare si tinge di rosso sangue. La battaglia navale di Lepanto è durata solo cinque ore, ma quasi 40.000 soldati e marinai hanno perso la vita Negli ultimi dipinti c'è di nuovo la pace, ma non si tratta di pace bensì del silenzio della morte.
Dagli anni '90, sempre più navi apparvero nelle opere di Twombly. Sono motivi d'addio, simboli di una retrospettiva malinconica.
Ti puoi lasciare semplicemente trasportare dagli impetuosi colori di questi dipinti. Molti dei visitatori nella sala Lepanto lo fanno. La sala è straordinariamente vuota, i dipinti enormi e colorati la definiscono. Ciò crea un'atmosfera quasi spirituale. Inevitabilmente si tace di fronte alla luce coagulata. Achim Hochdörfer racconta: “A volte i visitatori siedono sulle panchine per ore. Sembra quasi che stiano meditando.” Ma puoi avvicinarti al ciclo di Lepanto anche analiticamente e provare a ordinare i singoli filoni di significato. Certo, questo non è del tutto possibile.
“Twombly era interessato alla battaglia navale in quanto rappresentava uno degli eventi storici più importanti al centro dell'immaginazione collettiva. Come il terremoto di Lisbona in seguito", afferma Achim Hochdörfer. "Bastava dire il nome che tutti già la conoscevano." Per l'americano Twombly, che visse in Italia dagli anni '60, questo imbibire l'Europa con cultura, storia e mitologia fu sempre affascinante. Un'altra linea di significato del ciclo ha a che fare con Venezia: Venezia come principale partito interventista nella battaglia, Venezia come il primo centro della pittura, Venezia come sede della Biennale, un punto caldo dell'arte contemporanea. Elementi strettamente intrecciati: Twombly, con questo ciclo, si inserisce in un'eredità molto speciale, quella dei coloristi. Questa tradizione inizia con il Veronese di Venezia e prosegue fino ai giorni nostri con Turner e Monet. E ovviamente c'è anche il livello metaforico: il viaggio in barca, che rappresenta la vita.
Dagli anni '90, sempre più navi apparvero nelle opere di Twombly. Sono motivi d'addio, simboli di una retrospettiva malinconica. E poi c'è il carro funebre, che è il simbolo della transizione verso il regno delle ombre. Il ciclo di Lepanto esprime ancora una volta un contrasto con un tripudio di colori e luci. Ma l'ultimo viaggio è già stabilito. Nel dipinto "Untitled", creato nel 1993, se desideri ammirare uno studio preliminare del ciclo, puoi intravedere la dedica discreta "A Lucio" su una nave. Si tratta di Lucio Amelio, amico di Twombly e gallerista morto di AIDS. Twombly gli dedica anche un frammento modificato del poeta Giorgios Seferis: "The light is a pulse / continually slower and slower / you think it is about to stop."
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